Marfici 2009. Pequeñas historias de imágenes imperfectas

Del 2 al 9 de de mayo se llevó a cabo en la ciudad de Mar del Plata, Argentina, la 5º edición del Festival Internacional de Cine Independiente (Marfici). En él se presentaron unas ochenta películas que incluyeron largos, documentales, cortos en competición y una gran cantidad de obras en las diecinueve secciones programadas para esta ocasión. El evento es probablemente el único en su género en Sudamérica financiado enteramente por capitales privados, con organización de la Asociación Civil Eventos Culturales y dirigido por el periodista José Luís Jacobo.


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El pasado mes de mayo se celebró la quinta edición del Festival Internacional de Cine Independiente de Mar del Plata, Argentina, una apuesta modesta en lo formal aunque necesaria en lo expresivo en pos de concitar la atención del público en un conjunto de obras cinematográficas de difícil acceso al circuito de exhibición local y colocar tangencialmente en escena el interrogante sobre los alcances y circulación del cine independiente y de autor en la era de la globalización y los nuevos medios digitales.

Las premisas del MARFICI quedaron prestamente delineadas en las expresiones vertidas en el catálogo editado para la ocasión: “una nueva apuesta de hacer sobre padecer, cuya nota diferencial es que asumirá un carácter completamente digital, acorde con los tiempos tecnológicos que corren”.

Crisis global, nuevas tecnologías, Internet, plataforma digital, nuevos paradigmas en los que debemos asumir un desafío que indudablemente predispone a pensar esta perspectiva no sólo en términos económicos y de cierto aggiornamiento a una era “multimedial”, si no en el estado actual del mundo (y del cine), o en palabras de Peter Sloterdijk en El Hombre Operable: “el rasgo singular más notable de la historia tecnológica e intelectual es que la cultura tecnológica está produciendo un nuevo estado de agregación del lenguaje y la escritura, estado que tiene ya poco en común con las interpretaciones tradicionales por parte de la religión, la metafísica y el humanismo”.

Y es entonces que para poder escribir de películas y autores se impone la necesidad de plantear la perversa idea de reducir, fragmentar, una taxonomía de la imagen: “Debes escribir no sólo para destruir, no sólo para conservar, para no transmitir, escribe bajo la atracción de lo real imposible, aquella parte del desastre en que zozobra, a salvo e intacta, toda realidad”. (1)

Migraciones

El filme serbio The caviar connection (2008) de Dragan Nikolic versa sobre Papa Drnda, quien fuera el único rey de la pesca del caviar en el Danubio. Sus hijos, intentan rememorar los gloriosos días del ya anciano padre, pero se enfrentan a las fuerzas de la naturaleza entablando una tenaz lucha por cada metro de agua del río y la prohibición de pesca del esturión beluga. Nikolic los observa en su simple cotidianidad, en su ilusión de coger un gran pez que les traerá el dinero necesario para dejar atrás su pequeño pueblo y con ello la miserabilidad de sus vidas. Los hermanos actúan cual bufones y quienes los rodean semejan personajes de una comedia de enredos, inmersos en discusiones y reyertas interminables, haciendo trampas y discrepando, sin embargo, terminan siempre trabajando juntos, enfrentando no solo el obligado camino de una reconversión laboral si no humana, derivada de imposiciones económicas y la contaminación del recurso.

North Sud.com de François Ducat (2008) es una obra que se enfoca en el desmesurado crecimiento de los cafés-internet en Yaoundé, la capital de Camerún. Mujeres y adolescentes negras encuentran en la autopista virtual la posibilidad de contraer enlace con hombres blancos europeos o americanos, y con ello la esperanza de poder huir de la miseria en la que viven y ayudar a sus familias. Historia coral, donde se entrecruzan las voces para constituir el tejido argumental del filme y develar los sueños, ilusiones y decepciones que estas uniones on-line traen aparejadas, en una mirada que intenta hurgar dialécticamente en la inmigración forzada y el choque intercultural producto del flujo humano entre los denominados “países desarrollados” y “países subdesarrollados”.

La relación entre explotación en el mundo laboral e inmigración se expone con profunda humanidad en Made in LA (2007) de la directora española Almudena Carracedo. El filme registra la extraordinaria historia de tres inmigrantes latinas, costureras en talleres de explotación en Los Ángeles, que se embarcan en una odisea de tres años para conseguir protecciones laborales básicas de la famosa tienda de ropa Forever 21. Un filme que sorprende, reflexionando y otorgándole propia voz a los protagonistas de una conflictiva relación que desnuda las magras condiciones en el trabajo de bajo salario y la explotación a la que resultan sometidos los inmigrantes. En conversación con su directora nos manifestaba que “Cuando comencé esta película, mi objetivo era tan sólo realizar un pequeño cortometraje documental que retratara las condiciones de las inmigrantes latinas en las fábricas de la ciudad de Los Ángeles. Pero en los años que tardamos en finalizar la película, ésta se convirtió poco a poco en un retrato mucho más íntimo y más profundo de una experiencia cada vez más universal en la sociedad globalizada de hoy en día: la lucha de muchos inmigrantes recientes para comenzar una nueva vida, para aprender sus derechos y proclamar su voz en nuestras sociedades”.

Ada Gallery (2008) de Uladzimir Kolas expone el mundo rural de Vitebsk, Bielorrusia, donde Ada Raichonak y su marido Aleh, una pareja de ancianos granjeros pasan la mayor parte de su tiempo organizando – a pesar de la dureza y carencias de su propia vida – exposiciones pictóricas en una casa derruida transformada en la galería aludida en el título. En ésta, Ada expone – a pesar de cierto recelo por parte de la comunidad y de las autoridades del ayuntamiento – los cuadros de los artistas que vienen a ella de todo el país atraídos por la belleza única de los paisajes locales para sesiones artísticas de verano denominadas plein-aire. Un filme bucólico que con mínimos recursos e intromisiones, rescata la humanidad de los personajes y brinda la posibilidad de observar como el arte aún puede obrar como un bálsamo liberador y de pervivencia ante un medio hostil en los confines del mundo.

Gaizka Urresti y Javier Espada brindan con El Último Guión (2008) un sentido recorrido geográfico, físico y emocional por la vida  del cineasta Luís Buñuel. Su primogénito Juan Luís y el guionista y amigo Jean-Claude Carrière recorren en una suerte de conversación evocativa la biografía del realizador aragonés, rememorando episodios y anécdotas enmarcadas en los lugares donde transcurrieran: La infancia en su Calanda natal, su adolescencia en Zaragoza, su juventud en Madrid, el contacto con el surrealismo en París, su breve estancia en Nueva York y su definitivo asiento en Ciudad de México. En esta suerte de legado fílmico van rescatando pequeños recuerdos, filmaciones inéditas y testimoniales, hablando con colaboradores, develando su relación ética y estética con el cine, resultando amén de ello, un periplo insoslayable por la historia y los personajes del siglo XX.

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(1) Maurice Blanchot, La Escritura del Desastre (Caracas, Monte Ávila, 1990)

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