Especial Punto de Vista 2010

Crónica especial de Blogs&Docs a raíz de la sexta edición del festival Punto de Vista de Pamplona (5-13 de febrero). Fotografías: Rodrigo Pérez / Punto de Vista.


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Disyunciones

Amanar Tamasheq (Lluís Escartín, España, 2010) y Los materiales (colectivo Los hijos, España, 2009)

Dos películas españolas a competición, premiadas, y que ponen en juego un sistema formal que tiene ciertas similitudes (aunque muchas más diferencias), en la disyunción radical que ambas trazan entre la banda de imagen y sonido, para construir sus propuestas fundamentalmente a través de esta colisión.

En el caso del filme de Escartín, esta separación se escenifica como un mandato, el de ese hombre que habla y que pide que “ni se le vea ni se le oiga”, y que Escartín asume porque como él mismo señaló en la presentación, Amanar Tamasheq es una película que se realiza conforme a las exigencias del filmado. Opción políticamente necesaria, por tanto, pero que permite un incesante juego entre lo que se oculta y lo que se enseña, entre lo visible y lo invisible. Invisibilizada conscientemente la guerra, la opresión que padece el pueblo tuareg, queda sitio para el baile, para el ritmo percutivo que se impone al desierto y al abandono de una cultura. Decisión coherente dentro de una obra, la de Escartín, que nos ha enseñado a apostar por las películas que se empeñan en “ocultar su tema”, frase recurrente con la que Paulino Viota definía Contactos y que nos sirve perfectamente para encuadrar la azarosa práctica fílmica de Lluís Escartín, que se sigue confirmando como una de las más peculiares y sugestivas del panorama nacional.

Los materiales también explora ese conflicto entre lo mostrado y lo dicho, esta vez entre la imagen de un rodaje y los comentarios que de este hacen sus realizadores, superpuesto a las imágenes a través de subtítulos. Sensación de extrañamiento que se produce ya desde un principio desde la primera secuencia del filme, una imagen imponente en su fuerza simbólica y un comentario que la banaliza (que acaso intenta destruirla), al hacer de ella una especie de chiste cuando se explicita que se hace al modo de otro (“que plano más Angelopoulos me ha quedado”, dicen aproximadamente los subtítulos). Los materiales es la película de las dudas, cuando no de la controversia (que se alzó con el premio a la mejor dirección). Dudas de los propios realizadores al enfrentarse a un material que van subvirtiendo, y dudas también de este crítico que no sabe si debería hablar de una película de la que se ha salido antes del final, decisión que tomaron bastantes más espectadores en las dos proyecciones de este film. Así pues, no he visto acabar el juego propuesto, por considerarlo demasiado irritante (esas conversaciones, esas imperfecciones técnicas que parecen afear conscientemente una estética que se quiere cuidada), cuando no demasiado falto de fuerza para ser siquiera polémico (esa lasitud en la duración de unos planos sin demasiado que contar en sí mismos). A posteriori pienso que el filme tiene algo de Yo, un negro, de Jean Rocuh por la reinvención de las imágenes del rodaje a través del comentario improvisado, en ocasiones muy banal, pero allí se creaba una forma, un tipo de voz que antes no había sido oída en la pantalla, algo que aquí no ocurre. Tiendo a pensar que los que valoran la película (muchas discusiones hubo al respecto) lo hacen por su gesto –actuar “pour la beauté du geste”, como cantan Éxperience–, por representar la desafección del cineasta con los materiales que filma de una forma radical, y sobre todo porque hacerlo con los temas que toca la película –ese cine ruralista que explora pueblos en desaparición, el tema de la memoria– podría suponer una cierta subversión en el panorama del documental español, una nueva mirada alejada de la postura conservadora (estética, política) al que este nos tiene acostumbrados. No lo creo, pero ojalá fuese así.

Found footage

The darkness of day es el último trabajo de Jay Rosenblatt, un excelente realizador especializado en el ensayo y el cine de apropiación desde hace muchos años, aunque sigue siendo bastante desconocido excepto en el mundo de los festivales especializados, como ya comentamos otras veces. The darkness of day es una aproximación al suicidio desde un análisis prácticamente psicológico. En una mezcla de casos cercanos al director, personas conocidas (Hemingway, Primo Levi) y sitios malditos (puentes, volcanes), Rosenblatt indaga sobre el impulso que lleva a los seres al extremo máximo y la culpabilidad que sienten los de su alrededor por no preverlo. Para construir visualmente este acercamiento al concepto analizado se nutre sólo de imágenes de archivo muchas de las cuales en su origen no tienen ninguna relación con el tema tratado.

Como es habitual en él, la voz en off, la música clásica, los intertítulos, la división en partes del film y la manipulación de las imágenes (ralentizados, coloreado, repeticiones) son la base para que renazcan nuevos significados de esta agrupación de imágenes y para formar un clima que permanecerá compacto de principio a fin. Le añadimos un guión impecablemente cerrado, un montaje de orfebre, y una gran riqueza de asociaciones visuales y narrativas, para completar esta “pequeña” obra maestra. Sí que ha dejado de lado una de sus facetas habituales, que es la del fino humor, en este caso el cortometraje esta teñido de un tono muy triste, casi trágico.

RIP in pieces America (Dominic Gagnon, 2009) es un documental canadiense que entra a formar parte de las escasas y pioneras películas que se construyen exclusivamente con material rescatado de la red, de las cuales hasta ahora pudimos destacar Iraqi Short Films (M. Andrizzi, 2008). La propuesta de Gagnon se basa en salvar vídeos censurados de Youtube, la mayor parte de ellos por sus contenidos político-sociales y relacionados con los Estados Unidos y teorías conspiranoicas. La película es un poco tediosa, Gagnon decidió no alterar los vídeos y mostrarlos tal cual, solamente ordenar las diversas intervenciones de “sus personajes”, con lo que a la media hora de película se vuelve demasiado previsible. Rip in pieces es más interesante por las ideas que sugiere al cine actual que por su resultado final. Por un lado, aunque el realizador haya encajonado el material dentro de un marco convencional, sugiere revolución: por salvar mensajes censurados y rebelarse contra el poder (el director ingenió un sistema sencillo desde el mismo Youtube para descubrir que videos se censuraban y poder bajarlos antes de que desaparecieran). Como todo revolucionario, se mueve entre lo ilegal ya que las imágenes en teoría son “propiedad” de Youtube. Por otro lado, sugiere nuevas y variadas lecturas del cruce de clips distantes. Esas extrañas personas censuradas que se situaron detrás de la webcam acaban unidos en una película que podría ser de terror, o un documental de talking-heads, o una comedia, o incluso una performance en internet, ya que escasos minutos después de subir el clip, este desapareció. Por finalizar, Gagnon nos confirma que es posible hacer películas sentados en un despacho desde cualquier parte del planeta. Sólo necesitamos un ordenador y una buena conexión a la red.

The marina experiment (Marina Lutz, 2009) es un cortometraje crudo, que nos insinuó más que nos mostró, lo que en esta caso me parece una opción correcta. No se trata de denunciar algo ya ocurrido y enterrado hace décadas, sino de sacar parte del trauma hacia fuera de manera honesta. Un padre obsesivo, machista, maníaco, dominante, amargó y torturó la infancia de su hija, la realizadora. Esta recibe, 10 años después de la muerte del padre, un inmenso archivo donde su infancia esta atrapada en fotos, cintas y registros sonoros. Lo que podría ser un sangriento largometraje se convierte en un intenso corto, donde Lutz sólo apunta detalles. Lo construye con todo el material heredado en un montaje veloz que insiste en la idea de la insinuación de los hechos.

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Un Comentario

  1. gertrud 16/02/2010 | Permalink

    Ja, hasta me he reído, además de informarme. Gracias

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