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DocLisboa 2015

DocLisboa 2015

El festival de cine DocLisboa [1] es un éxito a nivel local (alta asistencia de público, repercusión mediática) a la vez que ofrece un programa de alto nivel cualitativo. Este encuentro cultural selecciona películas para todos los públicos pero sin tener ningun miedo a vincularse al cine contemporáneo, en algunos casos del más arriesgado.

El festival está ligado a su ciudad y al mundo que nos rodea aquí, en los países del suroeste de Europa. Muestra lo que considera más relevante para su audiencia en la competición internacional y da valor a las creaciones nacionales. Aparte, usa las secciones paralelas para lanzar preguntas a esta sociedad de la que formamos parte. Esta implicación con la sociedad impregna a la vez toda la programación que es intensa, que suma debates, que pretende probar que un evento cultural no es un circuito cerrado sino que sirve para algo. O, como mínimo, intenta que sirva para algo, como el histórico corto Black film de Želimir Žilnik [2] (retrospectiva completa en el festival), donde el entonces joven realizador quiere cambiar el rumbo de unos ciudadanos infortunados a los cuales el gobierno ignora, y aunque no lo consigue, él se esfuerza y a los demás les inquiere para que así sea.

Dentro de las secciones paralelas (Riscos, Foco a Grecia, Cine de Urgencia y otras) destacó por pertinente la dedicada al terrorismo “No tiro bombas, hago películas – Terrorismo y representación [3]”. Documentales y ficciones de partes distintas del planeta y de épocas diferentes que han representado, reflexionado y cuestionado la acción armada. Desde films militantes de los 60, hasta las últimas películas de Kōji Wakamatsu, pasando por el aterrador y visionario Elephant de Alan Clarke.

El DocLisboa (actualmente dirigido por Cintia Gil, Davide Oberto y Tiago Afonso) tiene un mérito enorme por vivir con brillantez en épocas económicas muy difíciles para la cultura y por acertar con su línea editorial. Sólo se le podría poner un pero, el exceso de películas programadas que, aunque no le hace perder el rumbo del criterio de programación, le merma para ser aún más excelente.

Post-data. Ésta fue mi séptima visita al festival desde 2008. En esta edición pude visionar 30 películas in situ. Añadí algunos visionados más posteriormente y sumaría en la lista otros films que ya conocía. Para hacer la crónica decidí destacar once títulos. En este número especial de Blogs&Docs, redactado en solitario, se le añaden dos entrevistas a directores presentes en Lisboa (y una entrevista extra a Narimane Mari [4] a raiz del estreno de su filme en España).

Reseñas:

Dos breves relatos magistrales. Guerin y Mozos [5]
No home movie de Chantal Akerman [6]
De cómo revisitar las imágenes. Sergei Loznitsa, Rabih Mroué [7]
Dispositivos para un diálogo. Sergio Oksman, Paul Poet [8]
Il solengo y Babor Casanova [9]
El proceso de Burgos de Imanol Uribe [10]

Entrevistas:

Karpo Godina: “… hasta que se dieron cuenta de que eran subversivas” [11]
Mauro Herce: “Si no me transformo filmando una película, quizás no merezca la pena hacerla” [12]

Dos breves relatos magistrales. Guerin y Mozos

Le saphir de Saint-Louis

Le saphir de Saint-Louis (El zafiro de Saint-Louis) es un mediometraje documental de José Luis Guerin (Barcelona, 1960) película nacida de un encargo del festival de cine de La Rochelle [13]. La película encomendada debía tratar sobre la catedral de esta ciudad portuaria del Oeste de Francia. El cineasta, pero, toma el encargo sólo como un punto de partida, de ida y de vuelta, centrándose especialmente en un cuadro que encuentra en la catedral, cuyo título da nombre al filme.

Guerin aposenta su filme en las bases clásicas del cine documental, las usadas antes de la llegada de las cámaras ligeras de los 60, situándose en las antípodas del lenguaje audiovisual del presente multipantalla, veloz, fugaz. La narración se construye con un seductor comentario en off y un acertadísimo uso de no muchas imágenes, en un estilo que recuerda los referenciales documentales de Alain Resnais de los años 50. Una vez gestado una elegante introducción a modo de periplo histórico – geopolítico – sensorial, su mirada se para al encontrar ese cuadro. Una imagen en la que se adentrará para navegar en una fascinante historia de traficantes de esclavos, creencias religiosas, revueltas y fines de época, relato entre lo real y quién sabe cuanto de literario. Sin moverse del cuadro Guerin crea una larga secuencia donde esta pintura algo rara, imagen estática de estética pobre, toma vida (movimiento, acción, sonidos, atmósfera, emociones) de manera magistral.

A glória de fazer cinema em Portugal

Manuel Mozos (Lisboa, 1959) es un director de cine cualitativamente muy bien valorado en Portugal pero hasta hace pocos años no muy conocido en el exterior. Actualmente no es raro encontrarlo seleccionado en festivales de prestigio o programaciones que revisitan su obra (foco en Viennale 2012 [14], en Play-Doc Tui 2015 [15], en el muy reciente festival Márgenes [16]).

Este cortometraje está relacionado con una indagación del cineasta sobre la historia del cine en Portugal, como lo fue su largometraje João Bénard da Costa – Outros amarão as Coisas que eu amei (2014), nacida de las memorias del ex director de la Cinemateca Portuguesa, o Cinema – alguns cortes: Censura II y III (2014-2015), remontaje a partir de fragmentos de películas censuradas en el país. A glória de fazer cinema em Portugal (La gloria de hacer cine en Portugal) es un cortometraje genial, una sutil y divertida reescritura del nacimiento del cine en Portugal. Mezclando lo veraz con lo posible, lo histórico con lo imaginado, oscilación que se encuentra precisamente en el nacimiento del propio cine, narra las desventuras de un ambicioso grupo de cinéfilos pioneros. Mozos construye un (posible) peldaño más de la historia del cine portugués y del propio país.

“Aunque algunos de los hechos relatados en esta película son verdaderos, esta es una obra de ficción y, como tal, ciertos acontecimientos y personajes, salidos de la imaginación de sus autores, apenas existen en el mundo real”

FICHAS TÉCNICAS
Le saphir de Saint-Louis:
Dirección y guión: José Luis Guerín
Dirección de fotografía: Nicolas Contant
Montaje: Núria Esquerra
Sonido: Benoît Perraud, Marisol Nievas
Voz en off: André Wilms
Música: Jorge Arriagada
Producción: Festival International du Film de La Rochelle, Perspective Films
País y año de producción: Francia, 2015

A glória de fazer cinema em Portugal:
Guión: Eduardo Brito
Dirección de fotografia: Miguel Ângelo
Montaje: Ricardo Freitas, Tiago Ramiro
Sonido: Thiago Perry de Sampaio
Música: Joana Gama, Luís Fernandes
Productor: Miguel Dias, Curtas Metragens C.R.L.
Dirección de producción: Dânia Lucas
País y año de producción: Portugal, 2015

No home movie

No home movie ha sido la última película de Chantal Akerman, uno de los nombres imprescindibles del cine documental, y uno de los muy importantes en el cine contemporáneo, de los últimos 40 años. En la película filma su intimidad familiar, concretamente nos muestra la relación con su madre de edad avanzada, en lo que se intuyen que son sus últimos años de vida. La realiza con una cámara fija, a veces ubicada en rincones de la casa como si fuera medio oculta, y con una cámara digital a mano. Akerman va capturando fragmentos de este periodo de tiempo que avanza poco a poco hacia la muerte. En la casa aparecen dos personas más, ambas también mujeres, su hermana Sylviane y una cuidadora, cuyas relaciones también se van hilvanando, a veces a través de susurros. El título puede hacer referencia a que se trata de una filmación doméstica convertida en película pero también señala hacia la no pertenencia a un lugar, pues están presentes en las conversaciones sus origenes familiares en Polonia, la llegada a Bélgica, sus viajes a Estados Unidos, siempre relacionado con el hecho de ser judío e Israel de fondo.

Naciendo de cierta sencillez formal sus imágenes contienen muy hondos sentimientos. Sobre el espacio y la relación corporal con él (la casa, el extranjero, el espacio que desaparece a través de la virtualidad de internet), la memoria (recuerdos de su infancia, los campos de concentración) y el paso del tiempo (la llena y compleja relación madre hija, con arco temporal cinematográfico incluído si la relacionamos con su News from home [17], 1977). Percibimos unas sensaciones de serenidad y tensión a la vez, también de tristeza y de amor, especialmente impregnados en todos los planos de la casa. Estos son levemente contrapunteados con sus conversaciones íntimas, que mezclan lo más cotidiano con lo trascendente.

Con el adios de la cineasta belga el cine documental va cerrando ciclos esenciales de su historia del siglo XX, cineastas clave que en los tiempos contemporáneos y habiendo cambiado mucho los procesos de creación y difusión, quizás no se encumbrarán o repetirán de la misma manera. Unos porque el tiempo marcaba su adios (Chris Marker, Alain Resnais) pero otros en un tiempo inesperado (Eduardo Coutinho, Harun Farocki, Chantal Akerman).

(A nivel de anécdota poco relevante, comentar que la película fue mal recibida en su estreno en Locarno, agosto 2015. Según algunas crónicas, hubo deserciones en la sala y hasta algunos abucheos. Las críticas, a menudo escritas aceleradamente la misma noche del visionado juntando varios filmes, fueron negativas. Valoraciones en caliente pero que tienen alta repercusión. Varias publicaciones, una vez pasados los meses y tras su desaparición, viraron su opinión y escribieron largos textos respecto al film. Redactó con acierto Jorge Mourinha para Público el diez de agosto, a las pocas horas de verla: “Un film como éste necesita de más tiempo del que el vértigo de un festival permite, pero el mercado no permite que exista fuera del vértigo de un festival” (Chantal Akerman, para la memoria futura [18]).

FICHA TÉCNICA:
Dirección, fotografía y sonido: Chantal Akerman
Montaje: Claire Atherton
Producción: Liaison Cinématographique, Paradise Films
País y año de producción: Bélgica, Francia, 2015

De cómo revisitar las imágenes. Sergei Loznitsa, Rabih Mroué

The event / Sobytie

El reconocido cineasta ucraniano Sergei Loznitsa presenta una película de archivo, basada en hechos ocurridos en el pasado que ofrece una lectura del presente para el espectador que le apetezca buscarla. Se ubica en 1991, en Leningrado – San Petersburgo, en unos días de agosto donde el presidente de la URSS Gorbachov fue depuesto por un movimiento colpista que tenía la intención de frenar sus reformas. Un movimiento político en favor de la apertura democrática (donde destacó la figura del presidente de la Federación Rusa, Yeltisn) y un movimiento popular en Moscú y San Petersburgo, pasaron a la Historia por frenar esta toma del poder y dar un giro definitivo hacia la disolución de la Unión Soviética.

El archivo que trabaja el director es un material filmado por cineastas independientes y que contiene gran fuerza visual.  Si nos extraemos un poco del contexto histórico, observamos impresionantes masas de seres humanos manifestándose pero hablando poco. Recuerda a su película Portrait (2002), enorme galería de retratos de campesinos silenciosos. Si hubo debates a pie de calle, estos no fueron registrados (recuerdo la activa Grands soirs et petits matins [19], de William Klein, sobre el mayo del 68) o fueron desechados en su montaje. Vemos figuras y rostros mirando, callados, escuchando a oradores de estamentos del poder, oímos lecturas de manifiestos, locutores de la radio. La voz popular es su presencia física, no su expresión verbal. El momento más sobrecogedor de toda la película es, precisamente, un minuto de silencio por un fallecido en las protestas antigolpistas.

Lo que me transmite el montaje de Loznitsa es una masa de seres humanos que pasa de manos de un poder a manos de otro. Visualmente, “los nuevos” se parecen demasiado, en sus gestos, en sus cuerpos, a “los viejos”. Lo que titula como “el evento”, leído 24 años después, aparece como un gran paso de avance democrático que se quedó a medias. Si lo leo a través del origen nacional del director, puedo entender una conexión desde esa disolución de las repúblicas soviéticas, donde en teoría se daba apoyo a todas las naciones que deseasen su libertad, y la práctica, donde hay actualmente una guerra en el Este de Ucrania, país partido entre ucraineses y prorusos (su anterior película, Maidan, trata sobre las protestas y revueltas en el país que llevaron a cabo los partidarios de un acercamiento a Europa y un alejamiento de la Rusia de Putin). Esta lectura crítica desde Ucrania la podemos extender a otras ex-repúblicas cuyo funcionamiento democrático e independiente es puesto muy en duda (por ejemplo Bielorusia y Kazajistán) o los larguísimos conflictos y violación de los derechos humanos en el Cáucaso ruso. Loznitsa nos habla de un presente atascado, en una Rusia inmovilizada en el pasado, idea que ya encontramos en varias de sus primeras películas [20].

Me queda la duda del trabajo del sonido en la película pues tiene cierta estetización, parece reconstruido (como hiciera también en la reconstrucción sonora de su película de archivo Blockada, 2006, sobre el asedio de Leningrado). La radio o la lluvia se escuchan con una calidad cinematográfica sorprendente que aleja las imágenes del pulso inmediato y bruto de la protesta en la calle. Lo mismo me sucede con las breves pero significativas pinceladas de Tchaikovsky, aupando la fuerza de unas imágenes que, en mi opinión, no requieren de intervenciones emotivas ajenas.

The pixelated revolution. Rabih Mroué.

Rabih Mroué, realizador, director y actor de teatro libanés, expone en un video de veinte minutos (“conferencia no académica”) un análisis de las imágenes amateurs encontradas en internet filmadas por los ciudadanos sirios en los inicios de la revuelta en ése país contra el gobierno de Bashar al-Asad. Porqué se han filmado, cómo se han filmado, que consecuencias tienen (mortales), como un teléfono móbil se convierte en testimonio único de un crimen y, a su vez, en objetivo militar. Sus elocubraciones desmenuzan las imágenes al frame, en un ejercicio totalmente necesario a mi entender, pues a menudo aún habiéndolas visto, como espectadores occidentales las consumimos en fugaces destellos en telediarios o nuestros ordenadores. Mroué detiene el consumo, congela las imágenes y nos tiende líneas para pensarlas, nos las conecta con la historia de la creación de imágenes y les da el tiempo que como testimonio merecen.

FICHAS TÉCNICAS
The event
Dirección: Sergei Loznitsa
Montaje: Sergei Loznitsa, Danielius Kokanauskis
Diseño de sonido: Vladimir Golovnitski
Productores: Sergei Loznitsa, Maria Choustova
Producción: Atoms & Void, Cinematek
País y año de producción: Holanda, Bélgica, 2015

The pixelated revolution
Dirección, guión y representación: Rabih Mroué
Director de fotografía: Christopher Aoun
Realización y edición: Jowe Harfouche
Producción: dOCUMENTA13 Kassel
Coproducido por: dOCUMENTA13, Berlin Documentary Forum, Spalding Gray Award
País y año de producción: Alemania, Austria, Líbano, 2012.

Dispositivos para un diálogo. Sergio Oksman, Paul Poet

O futebol

Oksman es un cineasta brasileño – español con una larga trayectoria de realizaciones, algunas son trabajos de oficio, otras películas más artísticas, reconocido en España los últimos años especialmente por dos cortometrajes que recorrieron todo el arco de festivales posibles con mucho éxito, Notes on the other y A Story for the Modlins (Premio Goya 2013). El excelente largometraje documental O futebol abre una línea de expresión para mi nueva en su realización: se expone él, nos cuenta quién es, mientras en los cortometrajes citados era un escondido narrador de una historia a veces cercana a la fábula.

O futebol está estructurada por secuencias dentro de un calendario, como si de un diario se tratara, pero marcado por los partidos del Mundial de fútbol celebrado en Brasil el verano de 2014. Sus conocidos cortos también resaltaban por su construcción de orden impecable pero, a diferencia de estos – y para mi gana mucho en ello esta película – dentro del marco cerrado tiene un planteamiento más abierto a lo real, a lo imprevisto, algo que ha permanecido en el montaje donde muestra los actos acontecidos, las palabras, donde fluye la vida.

Lo que plantea Oksman es un difícil encuentro con su padre. Hace años que han perdido la relación, pues se alejó drásticamente de la familia cuando él era muy joven rompiendo los lazos paterno filiales. Es un intento de encuentro valiente, con un poso de tristeza en cada secuencia, y que busca en el fútbol un aliado socio-familiar. Aunque este masivo deporte funciona socialmente como espacio colectivo de evasión, el realizador procura reutilizarlo como privado territorio común donde poder, quizás, reencontrarse. Una estrategia afín a la usada por Corneliu Poromboiu en The Second Game (2014) en conversaciones también con su padre partido de fútbol mediante. Mientras discurre el histórico Mundial de Brasil, discurren también sus “encuentros entre encuentros”, partidos de Japón, Colombia, Nigeria, Holanda o quien pertoque, una cuenta atrás hasta los últimos días del campeonato que tomará caminos imprevistos. Se entremezclan secuencias frías, con no demasiado diálogo pero que precisamente por ello las pocas palabras cobran suma importancia, con varias secuencias memorables, como – por citar solo una de ellas – la tensión entre la alegría al festejar un gol y la realidad de la ambulancia que entra en un hospital en el mismo momento y espacio.

My talk with Florence

Una conversación con Florence es la propuesta del austriaco Paul Poet, una larga charla sin archivo, sin distracciones, permitiendo así que emerja la potencia del relato, de palabras y gestos. Una línea cinematográfica donde podríamos encontrar varias estaciones de parada, como Eustache (Número Zero [21], 1971) o Wang Bing (Fengming, 2007).

Florence es una mujer que ha vivido un infancia, juventud y madurez duras, ha sufrido vejaciones, víctima de la pobreza y del sistema. Durante bastantes años cayó en manos de una muy extraña colonia, calificable como secta, liderada por un más allá de lo polémico artista, Otto Muehl. Poet, quien en otras de sus películas se había centrado en actividades artísticas outsiders – sin ser tan darks-, como la del subversivo Christoph Schlingensief (Foreigners out!, 2003), aquí da la palabra a quien ha sufrido las consecuencias de un delirio machista difícil de calificar. Lo que hace el documental absorvente, lo que hizo que todos los adolescentes que llenaron la sala en Lisboa no se movieran de la silla en dos horas, aparte de la crudeza de lo narrado, es la actitud de Poet. No escucha pasivo, sino que pregunta, inquiere, recapitula si es necesario, no dejando un sólo cabo por atar, por punzante que pueda ser en algunos momentos adoptar este rol.

FICHAS TÉCNICAS:

O futebol
Dirección: Sergio Oksman
Guión: Carlos Muguiro, Sergio Oksman
Dirección de fotografía: André Brandão
Montaje: Carlos Muguiro, Sergio Oksman
Sonido: João Godoy, Vitor Coroa, Eduardo G. Castro
Intérpretes: Simão Oksman, Aílton Braga, Sergio Oksman
Producción: Guadalupe Balaguer Trelles, Sergio Oksman
País y año de producción: España, 2015

My talk with Florence
Dirección: Paul Poet
Dirección de fotografía: Johannes Holzhausen
Montaje: Peter Brunner, Andi Winter
Música: Peter Brunner, Laughing Hyenas
Producción: Paul Poet
Coproducido por: Kultur Steiermark, Land Niederösterreich
País y año de producción: Austria, 2015

Il solengo

Este documental transcurre en una zona llamada Pratolongo, cerca del pueblo de Vejano, en la región lacial de Italia. Un lugar un poco perdido, donde las viejas tradiciones, aunque viejas, aún están vigentes dentro del grupo de protagonistas. La película de Alessio Rigo y Matteo Zopis es un retrato colectivo de una comunidad masculina de cazadores, capturando una bella oralidad y una manera de vivir de otras épocas. El pretexto para este acercamiento es la historia de un hombre muy solitario (apodado precisamente “solengo” por este motivo). Un tipo libre, pero también huraño y malcarado, que vivía en una gruta y no daba ni los buenos días, según la descripción coincidente de todos los entrevistados y sus conversaciones.

El espectador va entrando en el misterio de este ermitaño a través de un trabajo de fotografía y sonido exquisito. El envolviente entorno estético hace resurgir el fantasma del solengo del pasado. Mientras, las voces de los ancianos nos transmiten la leyenda del solitario, como si de un cuentacuentos se tratara, y dan pie a reflexionar sobre una soledad y el aislamiento, que a ellos también les define.

“Hoy ha cambiado que antes las leyes las hacíamos nosotros. A la caserna policial se iba poco, solo en casos de desesperación. Sino, no se iba. Si tu me hacías algo malo, yo te haré lo mismo a ti…”

FICHA TÉCNICA:
Dirección: Alessio Rigo de Righi, Matteo Zoppis
Dir. de fotografía: Simone d’Arcangelo
Montaje: Andrés Pepe Estrada, Alessio Rigo de Righi, Matteo Zoppis
Música: Simone Giampietro
Producido por: Tommaso Bertani
Coproducción: Agustina Costa Varsi
Productores asociados: Neli Rigo, Gustavo Beck, Carolina Cordero di Vonzo
País y año de producción: Italia, Argentina, 2015

Babor Casanova

Este mediometraje, debut de Karim Sayad, realizador suizo-argelino, es poderoso por el retrato de dos jóvenes de la capital del país árabe. Dos amigos, precarios, lumpen, que miran de cuando en cuando los barcos del puerto en dirección a Europa con desazón y usan los cánticos en los estadios de fútbol como si fueran canciones de autoayuda.

“Por treus euros ves al Moloudia, te sueltas, te relajas, te olvidas de tu día a día”

Se ganan algún ingreso marginal haciendo de aparcacoches por la calle, un trabajo no reglado, pero su vida no está a cero. Tienen un sitio digno para vivir, tienen para comer, para pequeños caprichos y, sobretodo, se tienen a ellos mismos en esta inseparable amistad adolescente. Entre cierta ingenuidad, masculinidad efervescente y desorientación vital, transcurren sus vidas hacia caminos imprevistos en un país trabado. Algunos de los niños de Loubia Hamra, ya crecidos, podrían ser los protagonistas de Babor Casanova.

“¡Dadnos trabajo!”

FICHA TÉCNICA:
Dirección: Karim Sayad
Dirección de fotografía: Patrick Tresch
Sonido: Hafidh Moulfi
Montaje: Bachiri Bachiri
Post-producción de sonido: Benjamin Benoit
Producción: Joëlle Bertossa
Producido por: Close Up Films
País y año de producción: Suiza, Argelia, 2015

El proceso de Burgos. Imanol Uribe

Este histórico documental dentro del cine español, realizado por Imanol Uribe, quien decantaría su filmografía posterior hacia la ficción, se encontraba en el DocLisboa dentro de la sección No tiro bombas, hago películas. Esta selección tenía diversas vertientes, como la violencia ciega o la militancia, entre otras. Esta película se podría encabir en la que permite hablar a aquellos que han decidido empuñar las armas por alguna causa, y son represaliados (como lo fue la propia película, (1)) y silenciados. Podríamos hacer un paralelismo con la también programada e histórica Underground (1976) de Emile de Antonio, por ejemplo.

El documental se basa en un formato de entrevistas “clásico”. Si hoy en día se ha convertido este recurso en clásico, especialmente a través de los medios de comunicación, y muy desmejorado por su velocidad de producción, no significa que sea de entrada por ello un valor menor. Hay que tener presente también la época (finales de los 70) y lo útil del recurso para el tema elegido, para poder unir unas voces enmudecidas como también lo habían sido las voces distanciadas de Jaime Camino (La vieja memoria, 1977) película de época y estructura similar. O salvaguardando la distancia temporal y algunas elecciones formales, la exitosa Ciutat Morta (Xavier Artigas, Xapo Ortega, 2013) que se ubica también en la misma senda. Las históricas entrevistas filmadas por Uribe nos permiten ver unos rostros y unos espacios que, junto con sus argumentos, también capturan esa historia de España y el País Vasco.

Actualemente el documental es muy valioso por los testimonios que presenta. Aparte de la descripción detallada de como vivieron el juicio que da nombre al título (proceso que se había llevado a cabo una década antes de la filmación), los veinte primeros minutos son importantes porque testifican como y porqué un grupo diverso de seres humanos decide pasarse a la lucha armada. Dicho de otra manera, como ETA llena sus cuadros en sus años iniciales, cuales son los motivos racionales para pasar a ser clasificado como terrorista por un estado.

(1) El documental español tras la dictadura: el difícil camino hacia la libertad de expresión [22] por Laura Gómez Vaquero, Blogs&Docs, diciembre 2010.

FICHA TÉCNICA:

Dirección: Imanol Uribe
Dir. de fotografía: Javier Aguirresarobe
Montaje: Julio Peña Heredia
Música: Hibai Recondo
Producido por: Cobra Films, Irrintzi Zinema, Severino
País y año de producción: España, 1979